Secuencia didáctica: Historia del cine, las primeras décadas
Capacidades
Comprende los cambios históricos en los medios audiovisuales
teniendo en cuenta factores estéticos, culturales, técnicos, económicos,
jurídicos y políticos.
Desarrolla habilidades de comprensión lectora, oralidad y
escritura.
Fomenta el pensamiento crítico.
Fomenta la creatividad en la resolución de problemas.
Contenidos
La historia del cine: orígenes, desarrollo técnico, estilos
cinematográficos, industria cinematográfica, censura y regulación gubernamental,
cine y cultura popular. Dispositivos precursores del cinematógrafo.
Aprendizajes
Indaga el origen y la evolución del cine en el mundo y en la
Argentina.
Conoce de las invenciones que posibilitaron la invención del
cinematógrafo y comprende las leyes físicas básicas como la persistencia de la
visión y la fusión de imágenes.
Comprende los cambios históricos en el cine teniendo en
cuenta factores estéticos, culturales, técnicos, económicos, jurídicos y
políticos.
Clase
1: Introducción al cine
·
Presentación del curso y los contenidos a
desarrollar
·
Explicación de los objetivos y aprendizajes
esperados
·
Introducción a la historia del cine: orígenes y
evolución
Actividad:
·
Lectura rápida, global del paratexto y el texto.
·
Lectura detenida de cada párrafo
·
Búsqueda del significado de las palabras
desconocidas.
·
Subrayar las ideas principales.
·
Titular cada párrafo.
El cine, como forma de arte y entretenimiento, tiene una
historia fascinante que se remonta a fines del siglo XIX. Sus orígenes se
encuentran en la invención de la fotografía y en la posterior búsqueda de crear
una técnica que permitiera la captura y reproducción del movimiento.
En 1878, el fotógrafo británico Eadweard Muybridge creó un
sistema de cámaras que podían capturar secuencias de imágenes en rápida
sucesión, lo que permitió estudiar y comprender mejor el movimiento humano y
animal. Unos años más tarde, el francés Etienne-Jules Marey inventó el fusil
fotográfico, que podía tomar hasta 12 imágenes en un segundo y mostraba los
movimientos en una única imagen.
Sin embargo, la verdadera invención del cine se atribuye a
los hermanos franceses Louis y Auguste Lumière, quienes en 1895 presentaron en
público el Cinematógrafo, una cámara que podía grabar, imprimir y proyectar
películas. El 28 de diciembre de ese mismo año, los Lumière presentaron su
primera película pública, "La Sortie de l'usine Lumière à Lyon", en
la que se veía a los trabajadores saliendo de su fábrica. Este evento marca el
inicio del cine como forma de entretenimiento y como una nueva forma de arte.
Desde entonces, el cine ha evolucionado enormemente, tanto
técnicamente como en términos de contenido. En las primeras décadas del siglo
XX, el cine mudo era el formato predominante y se caracterizaba por la ausencia
de sonido y la necesidad de contar historias a través de gestos y movimientos
corporales. En 1927, el estreno de la primera película sonora, "El Cantor
de Jazz", marcó un antes y un después en la historia del cine.
La década de 1930 vio el surgimiento del cine en color,
gracias a la invención del Technicolor. En los años posteriores, el cine
experimentó cambios en sus técnicas de producción y en los temas que trataban
las películas, como la incorporación de la violencia y el sexo en los años 60 y
70.
En conclusión, la historia del cine es una historia de
innovación, creatividad y evolución constante. Desde su humilde comienzo como
una técnica para capturar el movimiento, hasta su papel central en la cultura
popular y en la sociedad en general, el cine ha dejado su huella en la historia
de la humanidad y continúa siendo una forma de arte y entretenimiento
importante en la actualidad.
Actividad:
Vemos
Ver una recopilación de películas los hermanos Lumière y
analizar sus características técnicas y estilísticas.
Realizar al estilo de los hermanos Lumière, una grabación de
1 minuto de una situación cotidiana del colegio o de algún sector de mi barrio.
Clase
2: Dispositivos precursores del cinematógrafo
Introducción a los dispositivos precursores del
cinematógrafo
Actividad:
·
Lectura rápida, global del paratexto y el texto.
·
Lectura detenida de cada párrafo
·
Búsqueda del significado de las palabras
desconocidas.
·
Subrayar las ideas principales.
·
Titular cada párrafo.
La historia del cine es fascinante y se remonta a siglos
atrás, cuando la humanidad soñaba con reproducir la vida en imágenes. La
Revolución Industrial fue fundamental para hacer realidad este sueño, al reunir
los descubrimientos científicos y los avances tecnológicos necesarios para
lograrlo. Sin embargo, el invento del Cinematógrafo fue el resultado de un
largo proceso que duró cientos de años.
Desde las primitivas cavernas producidas por artistas
considerados hechiceros hasta las antiguas Sombras Chinescas, la creación de
imágenes con ilusión de movimiento ha sido una constante en la historia de la
humanidad. Hace 2.000 años, el astrónomo árabe Ptolemy descubrió la
"persistencia de la visión", un fenómeno fisiológico que permite la
ilusión de movimiento continuo a través de la sucesión rápida de dos o más
imágenes fijas.
A lo largo de los años se crearon juguetes ópticos cada vez
más complejos, desde el Taumatropo hasta el Praxinoscopio. Estos artefactos
kinéticos fueron fundamentales para la concepción del cine tal como lo
conocemos hoy en día.
El principio óptico de la fotografía, postulado por Leonardo
Da Vinci en el siglo XVI, y la aplicación de la cámara oscura en el siglo XVII
con la Linterna Mágica, fueron fundamentales para la creación de estos
artefactos kinéticos.
El problema técnico de registrar las imágenes se resolvió en
el siglo XIX con los procedimientos químicos descubiertos por Joseph Niépce y
Louis Daguerre, y tomó su forma definitiva en el filme flexible, enrollable y
perforado que George Eastman empezó a fabricar en 1884.
El multifacético inventor estadounidense Thomas Alva Edison
creó en 1889 el Kinetoscopio, que era una caja de madera vertical conteniendo
un rollo de película accionado por un sistema de bobinas y polea, para visión
individual con una lámpara incandescente. Edward Muybridge y Jules Marey
realizaron apasionados estudios sobre el movimiento humano y animal, lo que
contribuyó al desarrollo de la kinesiología.
El invento de los hermanos Lumière fue una síntesis de
cientos de descubrimientos y experiencias anteriores sobre la óptica, la
proyección, la química y la mecánica. Aunque su interés inicial fue totalmente
científico, hoy en día el cine es una industria multimillonaria que ha
influenciado la cultura popular en todo el mundo. Sin duda, la historia del
cine es un relato apasionante que continúa evolucionando hasta nuestros días.
Explicación de las leyes físicas básicas que hicieron
posible el cinematógrafo: la persistencia de la visión y la fusión de imágenes
Actividad:
Investigar sobre los dispositivos precursores del
cinematógrafo, elegir uno de ellos y explicar su funcionamiento. Fabricar, por
ejemplo, un taumatropo y demostrar su funcionamiento en clase.
Clase
3: Desarrollo técnico y estilos cinematográficos en las primeras décadas
Actividad:
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Lectura rápida, global del paratexto y el texto.
·
Lectura detenida de cada párrafo
·
Búsqueda del significado de las palabras
desconocidas.
·
Subrayar las ideas principales.
·
Titular cada párrafo.
Del cine espectáculo al cine industrial: los aportes de Méliès y
Griffith
El cine espectáculo
Mientras los camarógrafos de los Lumière recorrían el mundo recogiendo
vistas, observando y
registrando con especial atención todo lo que era movimiento, capturando la
espléndida
manifestación material de la vida y proyectándolas para la absoluta perplejidad
del mundo entero, un hombre llamado George Méliès empezó a descubrir en Paris
las posibilidades de expresión dramática y narrativa, relacionándolo con el
teatro, la magia y otras manifestaciones
escénicas. Curioso espectador en la primera función del Cinematógrafo y fiel a
sus habilidades de mago en escenarios de ferias y teatros, experimentó con la
cámara y elaboró trucos ópticos al servicio de breves cuentos y decorados
fantásticos, como Fausto y Barba Azul (1901).
Un pionero artista genial, Méliès desarrolló prácticamente y
en forma artesanal todas las técnicas y los efectos cinematográficos que se
usan hasta hoy día, creando lo que luego se llamaría ciencia-ficción y el
género fantástico. De los cientos de cortos que realizó en pocos años,
sobrevivieron algunas auténticas joyas como Viaje a la luna (1902) y Viaje a
través de lo imposible (1904), inspiradas en la literatura popular de Jules
Verne y otros. Con un talento y una frescura apabullantes, Méliès sumó el
espíritu de juego y artificio al Cinematógrafo, asombró y encantó a público de
todo el mundo, sentando las bases para el Cine industrial que había pronto de
venir.
En su genuina e ingenua intención científica y documental,
el Cinematógrafo había dejado de ser sólo un registro extraordinario de la
realidad, para convertirse también en Cine, un espectáculo y un instrumento
para narrar historias. Desde entonces, el Cine fue también sinónimo de sueño y
misterio, acercándose a la magia, el arte, la fantasmagoría, el Cine podía ser
no sólo espejo sino metamorfosis, poblado de fantasmas, dobles, espectros que
se movían en variaciones de velocidad o aparecían y desaparecían bruscamente.
A pesar del desprecio de las clases altas y cultas, una
parte del público, los primeros atentos artistas y pensadores percibieron que a
través del Cine el ser humano podía transportarse, viajar a cualquier espacio y
tiempo, que el Cine no ofrecía sólo el documento de la realidad sino el sueño
de muchas otras realidades, que la maravilla del Cine apenas había empezado y
que se estaba gestando un nuevo saber: el saber visual, que consistía en la
facultad de percibir la realidad de una nueva manera y a la vez en la
posibilidad de soñar el mundo en imágenes. He aquí la naturaleza
maravillosamente híbrida del Cine: ser la reproducción de la realidad y ser la magia
de los sueños. Es por eso, y aun por otras razones, que me parece muy apropiado
llamar al Cine: "el espejo luminoso".
Actividad:
1.
Vemos fragmentos de películas de Méliès para
apreciar las innovaciones técnicas y de estilo aportadas al cine de la época.
Fragmento de la película “Hugo” en la que se cuenta parte de
la historia de Méliès: https://youtu.be/dopT2BIj-1w
Principales técnicas y efectos descubiertos por Méliès: https://youtu.be/Da3s24Ke7Uc
2.
Hacemos cine al estilo de...
Elegimos una de las técnicas o efectos utilizados por Méliès
y la aplicamos en la realización de un corto.
Clase
4: Desarrollo técnico y estilos cinematográficos en las primeras décadas
Actividad:
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Lectura rápida, global del paratexto y el texto.
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Lectura detenida de cada párrafo
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Búsqueda del significado de las palabras
desconocidas.
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Subrayar las ideas principales.
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Titular cada párrafo.
Del cine espectáculo al cine industrial: los aportes de Méliès y
Griffith
El cine narrativo se vuelve industrial
La influencia de Méliès pronto cruzó el Atlántico y el Cine
norteamericano dio un salto significativo gracias a Edwin Porter, quien a
partir del año 1900 hizo una serie de cortos en los que empieza a alternar las
tomas de una y otra acción (montaje paralelo). La vida de un bombero americano
(1902) y El gran asalto y robo al tren (1903) se convirtieron en las primeras
películas de acción, suspenso y del Oeste (el western), consolidando la técnica
narrativa del montaje, es decir la capacidad de una construcción narrativa a
través de una sucesión de tomas y planos.
En la década del 1910, el estadounidense David W. Griffith,
inspirado en la narración literaria de su ídolo Charles Dickens, sentó las bases
del lenguaje cinematográfico. Articuló variedad de planos y ángulos para dar
formas y puntos de vista variados al relato, perfeccionó el uso del montaje
paralelo, dio forma al filme de persecución, incorporó el primer plano como un
recurso dramático y el uso del flashback (una acción del pasado que es relatado
como en el tiempo presente), codificó las significaciones temporales de las
diversas transiciones (el corte, el fundido y el encadenado), construyó el
tiempo dramático del suspenso y la variedad de ritmos a partir del montaje, dio
una movilidad inusitada a la cámara y, entre tantas otras cosas, sobresalió
como director de actores y descubridor de nuevos talentos para la pantalla. Con
sus obras cumbres, El nacimiento de una nación (1915) y el filme de tres horas
Intolerancia (1916) quedaron establecidos los códigos del Cine Clásico
narrativo que ya no fueron disputados, salvo excepciones, hasta la aparición de
la vanguardia moderna en los años 50.
Mientras la influencia de Griffith se extendía hasta la
Unión Soviética, donde pocos años después surgió una histórica escuela de
montaje destacada por Dziga Vertov, Vsevold Pudovkin y Sergei Eisenstein,
surgían más maestros en Francia, Italia probaba su poder con producciones
colosales épico-históricas y la cinematografía se extendía por todo el mundo
como una forma ya sea de triunfos económicos o de experimentación.
En el creciente mercado de los EE.UU. con su epicentro
comercial en la costa Este, la competencia se volvió feroz cuando se desataron
conflictos tremendos por los derechos de patentes tanto de equipamientos como
de las películas, lo que quedó registrado en la historia como "la guerra
de las patentes". Esta situación belicosa precipitó a que varios
productores abandonen New York y se instalen a partir de 1909 en un lugar de
California llamado Hollywood, elegido por su favorable condición climática, la
diversidad de paisajes y la proximidad a México (en caso de que sea necesario
huir de los acosos legales). En pocos años quedó allí fundada la más grande
industria de la historia del Cine. Entre 1912 y 1924, nacieron allí los sellos
Universal, Paramount, Fox, Warner Bros., Columbia Pictures y Metro Goldwyn
Mayer. Entre la puja encarnizada de estas empresas aparecían nuevos
especuladores, exhibidores que querían producir, y directores y actores que
querían manejar sus propios estudios. Se impusieron finalmente los grandes
sellos productores mencionados constituyendo un monopolio tan rígido como el de
un imperio.
Respondiendo al gusto del público por las películas para
llorar o para reír, o las de tiros y acción, los estudios prosperaron con
moldes de relatos que llamaron géneros. Esta clasificación les permitió adaptar
el concepto de producción industrial, ligado entonces a la fabricación de
automóviles, para establecer patrones y fórmulas comerciales que servían para
producir en serie con mayor seguridad de rentabilidad y menor costo como riesgo
económico posible. El sistema de estrellas (star system) fue otro esquema de la
industria capitalista usado para asegurar grandes ventas en boletería. Los
rostros y las figuras de actores y actrices ocuparon un lugar de privilegio en
los gustos del público, alimentados por publicistas, revistas, folletines y
programas de radio dedicados a difundir o inventar chismes y escándalos sobre
la vida de éstos.
En las décadas que siguieron, mientras la producción
industrial se ocupó de las innovaciones tecnológicas (el color, el sonido, el
cinemascope, el cinerama, los efectos especiales, el 3D) para mantener su
supremacía de entretenimiento en el mundo, las producciones a cargo de
cineastas creativos (serían llamados autores cinematográficos), se ocuparon de
experimentar con el lenguaje e innovar la potencia artística del Cine. Así se
mantuvo la cinematografía, hasta la actualidad, como la forma dominante de
diversión, deslumbrando, seduciendo y asombrando con relatos de alta
complejidad narrativa, diversidad temática y profundidad filosófica.
Actividad:
1.
Vemos fragmentos de películas de los cineastas
mencionados para apreciar las innovaciones técnicas y de estilo que aportaron
al cine de la época.
Fragmentos de El gran asalto a un tren: https://youtu.be/y3jrB5ANUUY
Aportes de Griffith a la narrativa del cine: https://www.youtube.com/watch?v=bVyZCw27mSQ&t=97s
2.
Hacemos cine al estilo de...
Crean un guion basado en una historia simple y la filman
aplicando algunos de los aportes a la narrativa del cine vistos: montaje
paralelo, cambios en tamaños de plano y de ángulos de cámara.
Clase
5: Industria cinematográfica, censura y regulación gubernamental
Explicación de la censura y regulación gubernamental del
cine en Argentina
La historia del cine argentino está estrechamente ligada a
la historia de la censura y la regulación gubernamental en el país. Desde sus
primeros años, el cine en Argentina ha sido objeto de restricciones y
prohibiciones por parte de las autoridades, que han tratado de controlar el
contenido de las películas y su difusión.
Uno de los primeros casos de censura en el cine argentino
tuvo lugar en 1909, cuando se prohibió la exhibición de la película "El
fusilamiento de Dorrego", dirigida por Mario Gallo. La película, que
relataba la ejecución del gobernador Juan Manuel de Rosas en 1835, fue
censurada por las autoridades debido a su contenido político.
En los años siguientes, la censura se intensificó y se
crearon organismos específicos para su control, como la Comisión Nacional de
Censura, creada en 1919. Durante las décadas de 1920 y 1930, el cine argentino
estuvo sometido a una estricta regulación por parte del Estado, que controlaba
la producción, la distribución y la exhibición de las películas.
Uno de los momentos más oscuros de la historia del cine
argentino tuvo lugar durante la última dictadura militar (1976-1983), cuando se
produjo una intensificación de la censura y la represión cultural. Durante este
período, se prohibieron numerosas películas y se cerraron salas de cine, y
muchos cineastas y artistas fueron perseguidos, encarcelados o desaparecidos.
Entre los casos más emblemáticos de censura en el cine
argentino se encuentra la película "La Patagonia rebelde", dirigida
por Héctor Olivera en 1974. La película, que relataba la represión de una
huelga de obreros rurales en 1921, fue prohibida por el gobierno militar en
1974 y no se pudo exhibir en Argentina hasta 1984.
Otro caso significativo de censura en el cine argentino fue
el de la película "El exilio de Gardel", dirigida por Fernando
Solanas en 1985. La película, que relataba la historia de un exiliado político
en París, fue censurada por las autoridades argentinas debido a su contenido
político y su crítica al régimen militar.
En la actualidad, la censura en el cine argentino es menos
frecuente que en el pasado, pero aún existen ciertas restricciones y
regulaciones en cuanto a la producción y distribución de películas. Uno de los
principales organismos encargados de la regulación del cine es el Instituto
Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), que establece normas y
requisitos para la producción y difusión de películas en Argentina.
En conclusión, la historia del cine argentino está marcada
por la censura y la regulación gubernamental, que han tratado de controlar el
contenido y la difusión de las películas a lo largo de los años. Aunque se han
producido avances en materia de libertad de expresión, es importante recordar
los casos de censura y represión que han ocurrido en el pasado para valorar y
defender la importancia del cine como medio de expresión y reflexión crítica en
la sociedad.
Actividad:
Conocemos algunos casos históricos de censura y regulación
gubernamental del cine en Argentina y discutimos sus consecuencias.
Día Nacional del Cine: 5 películas argentinas que fueron
censuradas
En el Día Nacional del Cine, te
contamos en detalle cuáles fueron algunas de las películas que fueron
censuradas en la Argentina y los fundamentos que se presentaron.
Por SANTIAGO MARANI
El espectáculo es
un espacio cultural sumamente importante que el ser humano encontró para poder
expresar mensajes sociales y políticos por medio de expresiones, señas,
imágenes, sonidos y gestos. El cine, denominado popularmente como "El
séptimo arte", es una de las técnicas que ha revolucionado al mundo a
fines del Siglo IXX y sobre todo en el Siglo XX. Y en este 23 de mayo,
conocido por ser el Día Nacional del Cine, repasamos algunas de las películas que fueron censuradas
en la Argentina.
Fue en 1968,
mientras se desarrollaba la dictadura de Juan Carlos Onganía -entre el 1966 y 1969- el
año en que se decidió imponer la ley-decreto 18.109, que permitió crear el Ente
de Calificación Cinematográfica. Pese a que el mismo se implementó en aquel
Golpe de Estado, en la sangrienta dictadura que tuvo lugar entre 1976 y 1983 se
utilizó como una herramienta más para controlar el acceso a la información y a
la cultura y, en consecuencia, a la opinión pública.
Los tiempos en los que más censura y
prohibiciones hubo,
precisamente, tuvieron lugar entre mediados de 1974 y noviembre de 1978,
cuando Miguel Paulino Tato ocupó
el cargo de director del Ente de Calificación Cinematográfica. El crítico de cine y periodista fue
el hombre más funcional a los intereses de los dictadores.
Qué
era el Ente de Calificación Cinematográfica
Conforme a
la ley 18.019, el Ente de Calificación Cinematográfica tenía
como objetivo prohibir o realizar censurar escenas de películas que "justifiquen el adulterio,
el aborto, la prostitución, las perversiones sexuales y todo cuanto atente
contra el matrimonio y la familia; las que presente escenas lascivas o que
repugnen a la moral y las buenas costumbres; las que resuman apologías del delito;
las que nieguen el deber de defender la Patria y el derecho de sus autoridades
a exigirlo; las que comprometan la seguridad nacional, afecten las relaciones
con los países amigos o lesionen el interés de las instituciones fundamentales
del Estado".
Dicho organismo funcionó entre
el 1° de enero de 1968 y diciembre de 1983, tiempos en los que prohibió y recortó 727
películas, aunque tuvo mayor funcionamiento entre 1976 y 1983 en la última
dictadura militar. Asimismo, es clave tener en cuenta que
la entidad realizaba una lectura previa de los guiones y también controlaba el
nombre de los que integraban los repartos.
Quizás, y
para comprender mejor quién y cómo era el accionar de Miguel Paulino Tato al
frente de la entidad, basta con escuchar la letra que Charly García compuso
para la mítica banda de rock "Sui Generis". El genio lo bautizó "El Señor
Tijeras" en el tema que llamó "Las increíbles
aventuras del Señor Tijeras".
La letra de "Las increíbles aventuras del Señor
Tijeras", escrita por Charly García, que se inspiró en Miguel Paulino
Tato
"Entra en el microcine y
toma ubicación / Hace gestos y habla sin definición /Se va con la película
hasta su hogar / Le da un beso a su esposa y se vuelve a encerrar / A oscuras y
en su sala / De cuidar la moral / Entra ella y se va desvistiendo / Lentamente
y casi sonriendo / Alta, blanca, algo exuberante / Dice “hola” y camina hacia
adelante / Mira al hombre pequeño que se raya / Cuando ella sale de la pantalla
/ Y el hombre la acuesta sobre la alfombra / La toca y la besa, pero no la
nombra / Se contiene, suda y después / Con sus tijeras plateadas / Recorta su
cuerpo / Le corta…".
Fuego
(1969)
Dirección: Armando Bo.
Elenco: Isabel "La Coca" Sarli,
Armando Bo y Alba Múgica.
Género: Drama - Erótico.
Sinopsis de "Fuego": Carlos, un ingeniero
radicado en Bariloche, descubre en las aguas del Nahuel Huapi a una mujer,
quien se ve sorprendida al ser descubierta. Pese a que Carlos continúa su
rumbo, días después, un encuentro casual los relaciona nuevamente y todo se
precipita.
Dirección: Fernando "Pino" Solanas
y Octavio Getino
Elenco: Pino Solanas, Edgardo Suárez, Fidel
Castro, Ernesto "Che" Guevara, Mao Zedong, Eva María Duarte de
Perón y Juan Domingo Perón.
Género: Documental.
Sinopsis de "La Hora de
Los Hornos": el documental muestra testimonios sobre el neocolonialismo, la
violencia y la liberación y realiza un análisis sociopolítico de la Argentina
entre 1945-1968. La misma fue filmada de manera clandestina.
Dirección: Leopoldo Torre Nilsson.
Elenco: Marilina Ross, Juan José Camero,
Luisina Brando y Mecha Ortiz.
Género: Drama.
Sinopsis: una adolescente hija de actores
ambulantes, se instala en la hacienda "Las Amalias", donde vivirá en
un extraño ambiente donde convivirá con la hipocresía y la represión sexual.
Dirección: Jorge Cedrón.
Elenco: Norma Aleandro, Carlos Carella,
Ana María Picchio, Walter Vidarte y Víctor Laplace
Género: Drama - Suspenso.
Sinopsis: basada en el libro de no ficción
periodística, escrito por el periodista Rodolfo Walsh en 1957, relata el contexto político de 1956,
cuando un contra-golpe militar a la dictadura autodenominada Revolución
Libertadora, y los hechos ocurridos en un descampado de José León Suárez,
donde fueron asesinados varios civiles sospechados de formar parte del
alzamiento. Tras lo acontecido, siete personas logran sobrevivir y
relatar sus terroríficas experiencias.
Dirección: Jorge Cedrón.
Género: Documental.
Sinopsis: el documental analiza la historia
argentina del Siglo XX vista desde la organización Montoneros y explica las
decisiones tácticas de aquel momento mediante imágenes de archivo y una
entrevista al líder Mario Firmenich desde París (Francia).
Consignas:
1.
¿Cuál fue el objetivo del Ente de Calificación
Cinematográfica en Argentina y durante qué período de tiempo estuvo en
funcionamiento?
2.
¿Quién fue el director del Ente de Calificación
Cinematográfica durante la dictadura militar y cuál fue su postura con respecto
a la censura de películas?
3.
¿Cuántas películas fueron prohibidas por el Ente
de Calificación Cinematográfica y durante qué período de tiempo tuvo mayor
actividad?
4.
Leemos el apartado “5 películas que fueron
censuradas en la Argentina durante la última dictadura militar” y deducimos por
qué motivo fueron censuradas.
5.
¿Por qué la censura y la prohibición de
películas pueden ser consideradas como una violación de la libertad de
expresión y el acceso a la cultura?
6.
¿Qué consecuencias puede tener la censura de
películas en una sociedad?
Clase
6: Cine y cultura popular
Análisis de cómo el cine ha influido en la cultura popular y
viceversa
Actividad:
·
Lectura rápida, global del paratexto y el texto.
·
Lectura detenida de cada párrafo
·
Búsqueda del significado de las palabras
desconocidas.
·
Subrayar las ideas principales.
·
Titular cada párrafo.
El cine ha sido una forma de arte que ha influenciado
enormemente la cultura popular desde su inicio en la década de 1890. Desde
entonces, el cine ha evolucionado en términos estéticos, técnicos, económicos,
jurídicos y políticos, y ha creado un diálogo constante con la cultura popular
que ha influido en ambas direcciones.
Por un lado, el cine ha sido un medio para reflejar y
expresar la cultura popular, representando a la sociedad y a sus valores. En la
década de 1920, la era dorada del cine mudo, se produjeron películas que
reflejaban la cultura de la época, como "El chico" de Charlie
Chaplin, que retrataba la vida de los pobres en la ciudad, o "El cantante
de jazz" de Alan Crosland, que mostraba la cultura del jazz en los clubes
nocturnos de Estados Unidos.
En la década de 1950, el cine comenzó a reflejar la cultura
de la Guerra Fría y el miedo a la amenaza nuclear, con películas como "El
día que paralizaron la Tierra" y "La invasión de los ladrones de
cuerpos". En la década de 1960, el cine reflejó la cultura del movimiento
de derechos civiles y la lucha contra la segregación racial en películas como
"En el calor de la noche" y "Adivina quién viene a cenar".
El cine también ha influido en la cultura popular al
introducir nuevas tendencias y modas. Por ejemplo, la película "Rebelde
sin causa" de 1955, protagonizada por James Dean, popularizó el uso de
chaquetas de cuero y jeans ajustados entre los jóvenes de la época. En la
década de 1970, la película "Saturday Night Fever" popularizó el
baile disco y la ropa de poliéster. En la década de 1980, la película "Top
Gun" popularizó el uso de gafas de sol de aviador y chaquetas de piel.
Por otro lado, la cultura popular también ha influido en el
cine. En la década de 1970, el cine se vio influenciado por la contracultura y
el movimiento hippie, y películas como "Easy Rider" reflejaron estos
valores y tendencias. En la década de 1980, la cultura popular influyó en el
cine de ciencia ficción con películas como "Blade Runner" y
"Terminator". En la década de 1990, el cine de acción fue
influenciado por los videojuegos y la cultura de los cómics con películas como
"Mortal Kombat" y "Batman Returns".
En resumen, el cine ha tenido una gran influencia en la
cultura popular y viceversa. A través de su capacidad para reflejar la sociedad
y la cultura, el cine ha ayudado a moldear y reflejar la historia y los valores
de una época. Al mismo tiempo, la cultura popular ha influido en el cine al
introducir nuevas tendencias y modas, y al reflejar sus valores y tendencias en
las películas. La relación entre el cine y la cultura popular es una prueba del
poder de la creatividad y la expresión artística para influir en la sociedad y
dar forma a nuestra cultura colectiva.
Actividad:
A partir del texto sobre la influencia del cine en la
cultura popular y viceversa, elige una película reciente y analiza cómo se
relaciona con la cultura y la sociedad. ¿Ha sido influenciada por algún hecho
cultural o social? ¿Ha influido en la cultura popular y la sociedad de alguna
manera?
Pautas para realizar la tarea:
1.
Elegir una película reciente que hayas visto y
que te haya llamado la atención. Puede ser de cualquier género.
2.
Investigar sobre la película y su contexto
cultural y social. Busca información sobre los temas que trata la película, su
director, actores y cualquier otro detalle que puedas encontrar interesante.
3.
Identificar y explicar cómo la película se
relaciona con la cultura y la sociedad. ¿Ha sido influenciada por algún hecho
cultural o social? ¿Ha influido en la cultura popular y la sociedad de alguna
manera?
4.
Preparar una presentación breve sobre la
película y tu análisis. Puedes utilizar diapositivas, videos, imágenes y
cualquier otro recurso que consideres necesario para hacer tu exposición más
interesante y clara.
5.
Exponer tu trabajo en clase. Comparte tus
reflexiones y respuestas a las preguntas planteadas. Escucha y comenta el
trabajo de tus compañeros.
Recuerda que el objetivo de esta tarea es reflexionar sobre
la influencia del cine en la cultura y la sociedad y cómo se retroalimentan
mutuamente. Además, es una oportunidad para desarrollar habilidades de
investigación, análisis y presentación en público.
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